Música

Magrão lança “Medley 2025” no OPEN MIC da CMK BEATS e mistura rock com rap

Published

10 meses ago

outubro 11, 2025

Projeto independente do Rio une guitarra e baixo a barras afiadas, com vibe que remete a Planet Hemp e Rage Against the Machine.

O lançamento

Magrão, nome quente das batalhas no RJ, soltou o single “Medley 2025” dentro do OPEN MIC Brasil, série da produtora independente carioca CMK BEATS. O take, publicado no canal oficial do selo, destaca guitarra e baixo em diálogo direto com o rap — um recorte cru de palco que preserva a pressão das rimas. Assista no canal da CMK BEATS ou confira o clipe do episódio no YouTube.

O som também está distribuído nas plataformas digitais como “Open Mic Brasil #3 – Medley 2025”, facilitando o play fora do YouTube.

Som & estética: riff na veia, barra no peito

A proposta puxa referência de rock-rap: timbres de guitarra e baixo na linha de frente, batida seca e flow agressivo — clima que lembra a insolência sonora de Planet Hemp e a pegada combativa de Rage Against the Machine. O resultado é uma faixa que preserva a urgência das batalhas e a energia de banda em estúdio ao vivo.

Alcance e tração nas plataformas

O episódio do Open Mic ganhou tração imediata no YouTube e nas plataformas. No canal da CMK BEATS, o vídeo aparece entre os destaques recentes com centenas de milhares de visualizações em poucos dias, enquanto a versão de áudio começou a circular em serviços como o Apple Music e demais DSPs.

Contexto: cena carioca e o papel da CMK

O OPEN MIC Brasil funciona como vitrine orgânica para MCs, produtores e bandas do eixo RJ, conectando a linguagem das batalhas a uma estética de show/ensaio filmado — simples, direto e barulhento. A CMK BEATS amarra captação audiovisual e direção musical para potencializar artistas independentes e quebrar a bolha do circuito de rimas.

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Tags: Magrão, Medley 2025, CMK BEATS, Open Mic Brasil, rap carioca, rock-rap, guitarra, baixo, indie

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Música

Kehlani contesta a “morte do R&B” e aponta um gênero em transformação

Published

8 horas ago

agosto 21, 2026

João Victor Rebelo

Kehlani não compra a tese de que o R&B morreu. Em conversa com Leon Thomas publicada pela Billboard em 20 de agosto de 2026, a artista tratou o gênero como um campo em transformação, não como uma cena em desaparecimento.

A discussão aparece num momento em que o R&B vive uma contradição curiosa: seus elementos estão por toda parte, do rap melódico ao pop alternativo, mas parte da indústria ainda mede sua força pelos critérios de outra época. Kehlani empurra a conversa para outro lugar: talvez o problema não seja falta de música, e sim falta de escuta.

Esse debate importa para a Rap Growing porque o R&B sempre conversou com o rap. Hooks, timbres, melodias, sensualidade, dor, festa e espiritualidade circulam entre os dois campos há décadas. Quando alguém decreta a morte do gênero, muitas vezes está ignorando como a música negra muda de forma para sobreviver.

O R&B não sumiu, mudou de endereço

A ideia de que o R&B perdeu espaço costuma aparecer quando os grandes centros de mídia não conseguem organizar a nova cena. Hoje, artistas independentes lançam semanalmente, circulam por playlists, vídeos curtos, comunidades de fãs e palcos menores antes de chegar aos grandes prêmios.

Kehlani faz parte de uma geração que cresceu dentro dessa transição. Ela entende a lógica das plataformas, mas também carrega uma formação ligada a performance, voz e presença. Por isso, sua defesa do R&B não soa nostálgica. Ela não pede que o gênero volte a ser o que era; ela pede que o público olhe para onde ele está agora.

Leon Thomas, que participa da conversa, também representa esse momento. Ele se move entre composição, produção, performance e repertório próprio, uma lógica que ajuda a explicar por que o R&B contemporâneo nem sempre cabe em uma leitura simples de cantor, hit e gravadora.

Entre rap, pop e música alternativa

Nos últimos anos, o R&B passou a dividir espaço com trap, afrobeat, drill melódico, pop alternativo e sons de bedroom music. Para alguns ouvintes, isso dilui o gênero. Para outros, prova justamente sua vitalidade. A música está viva porque contamina outras linguagens.

No Brasil, a conversa também faz sentido. O R&B nacional cresce misturado ao rap, ao funk, ao pagode, ao soul e à música eletrônica. Se a régua for “soar como os anos 1990”, muita coisa fica de fora. Se a régua for sensibilidade, composição, voz e atmosfera, a cena aparece muito maior.

O ponto central é que gênero musical não morre só porque deixa de ocupar a vitrine de sempre. Às vezes ele muda de rota, encontra outro público e retorna ao centro por caminhos menos óbvios.

Saúde, rotina e indústria

A People destacou outro trecho da mesma fase de entrevistas: Kehlani falou sobre rotina, saúde mental e a necessidade de manter práticas de cuidado em uma indústria que desorganiza horários, corpo e vida pessoal. Esse contexto ajuda a entender a artista, mas precisa ser tratado com cuidado.

Não se trata de transformar diagnóstico ou intimidade em espetáculo. O ponto editorial é outro: artistas de R&B e rap estão discutindo cada vez mais as condições materiais de criar, cantar, viajar, performar e continuar de pé. A música muda também porque a vida de quem faz música exige novas formas de proteção.

Leia também na Rap Growing: Música, Rap Internacional e Negócios da música.

Fontes consultadas

Billboard — conversa de Kehlani com Leon Thomas.
YouTube/Billboard — entrevista em vídeo incorporável.
People — contexto sobre rotina, saúde e indústria.
Wikimedia Commons — referência da imagem de capa e licença CC BY 2.0.

Imagem de capa: Kehlani fotografada pelo The Come Up Show em Toronto. Arquivo disponível no Wikimedia Commons sob licença Creative Commons Attribution 2.0.

Música

Black Pantera lança “Continental” e amplia sua leitura da música negra brasileira

Published

8 horas ago

agosto 21, 2026

João Victor Rebelo

O Black Pantera chega a “Continental” sem pedir licença para caber em uma prateleira só. O álbum foi lançado nesta sexta-feira, 21 de agosto de 2026, pela Deck, com 13 faixas e pouco mais de 42 minutos de música, segundo a página oficial do disco no Spotify.

O trio formado por Charles Gama, Chaene da Gama e Rodrigo “Pancho” construiu a carreira justamente nesse ponto de tensão: rock pesado, hardcore, thrash, rap, música brasileira e denúncia social convivem sem precisar virar fórmula. “Continental” amplia essa conversa e coloca o Brasil como território sonoro, político e ancestral.

A Billboard Brasil já havia apontado que o título do disco dialoga com a ideia de um trabalho que fala sobre o país e atravessa diferentes estilos a partir do rock. Na prática, essa leitura ajuda a entender por que o Black Pantera segue sendo importante para além do circuito de guitarras.

Um disco pesado sem ser fechado

“Continental” não tenta suavizar o peso da banda. Ele organiza esse peso em várias direções. Há faixas que preservam a agressividade do hardcore, outras que se aproximam de estruturas mais melódicas e momentos em que o discurso político aparece como parte da música, não como adereço de divulgação.

As participações também ajudam a mostrar a largura do projeto. O Spotify lista Duquesa em “Serotonina”, Sandra Sá em “Quando Canto”, Derrick Green em “Obsoleto” e Chico César em “Banzo”. É uma combinação que não parece feita só para chamar atenção: ela conecta gerações e linguagens negras brasileiras e diaspóricas.

Esse encontro faz sentido porque o Black Pantera nunca tratou identidade como rótulo. A banda fala de raça, país, violência, memória, orgulho e sobrevivência usando volume, riff, groove e palavra. A música negra aqui não aparece como um gênero único, mas como um campo de disputa e invenção.

Do underground ao centro da conversa

O momento do lançamento também importa. Nos últimos anos, o Black Pantera se consolidou em festivais grandes, abriu shows internacionais, venceu prêmios e virou referência em discussões sobre música pesada feita no Brasil. O grupo cresceu sem abandonar o incômodo que move suas letras.

Por isso, “Continental” pode ser lido como um passo de expansão. Não é apenas o quinto álbum de uma banda em atividade. É uma obra que tenta colocar a experiência negra brasileira no centro de uma linguagem que, durante muito tempo, foi apresentada como se não tivesse corpo, cor ou território.

Quando rap e hardcore aparecem juntos no repertório do Black Pantera, não é porque a banda está “misturando tendência”. É porque as duas linguagens compartilham urgência, rua, confronto e a vontade de dizer o que muita gente preferia não ouvir.

O que observar em “Continental”

A primeira escuta pede atenção para a forma como o álbum distribui energia. O impacto não está só nas faixas mais rápidas ou pesadas, mas na maneira como as participações entram para abrir sentido e ampliar textura. “Continental” mira o corpo e a cabeça ao mesmo tempo.

Dentro da trajetória do trio, o disco confirma algo que já vinha amadurecendo: o Black Pantera é uma banda de rock, mas também é uma leitura do Brasil. E essa leitura fica mais forte quando não precisa separar guitarras, rap, ancestralidade e política em caixas diferentes.

Leia também na Rap Growing: Música, Rap Nacional e Cultura Hip-Hop.

Fontes consultadas

Spotify — página oficial de “Continental”, faixas, duração e selo Deck.
Billboard Brasil — contexto do lançamento, trajetória recente e conceito do álbum.
Black Pantera — perfil oficial da banda e campanha do disco.

Imagem de capa: foto do Black Pantera publicada pela Billboard Brasil, creditada a Marcos Hermes. A referência da imagem está indicada também no campo de crédito.

Música

The Game lança “The Documentary III” de surpresa e revisita 21 anos de história

Published

8 horas ago

agosto 21, 2026

João Victor Rebelo

The Game colocou uma das marcas mais pesadas da própria discografia de volta na rua. “The Documentary III” chegou às plataformas nesta sexta-feira, 21 de agosto de 2026, depois de um anúncio feito poucas horas antes pelo rapper de Compton.

A página oficial do álbum na Apple Music confirma um projeto longo: são 24 faixas, com 1 hora e 23 minutos de duração, lançado pela Numinati/FTS Global Management. Não é uma volta pequena. É The Game tentando reabrir a conversa em torno da saga que o apresentou ao mainstream em 2005.

O peso do título explica a expectativa. “The Documentary” não foi apenas um álbum de estreia bem-sucedido. Foi uma peça central para recolocar a Costa Oeste no debate comercial dos anos 2000, com The Game orbitando Dr. Dre, 50 Cent, G-Unit e a estética de Los Angeles que dominou uma geração de ouvintes.

Uma continuação que carrega legado e cobrança

O problema de retomar um nome desse tamanho é que a nostalgia ajuda, mas também cobra. “The Documentary III” precisa disputar atenção com a própria lembrança que os fãs têm do primeiro capítulo e com a sequência de 2015, quando The Game já tentou expandir essa mitologia em “The Documentary 2” e “The Documentary 2.5”.

A nova fase chega num momento em que o rapper voltou a circular em conversas grandes do rap americano, inclusive pela aproximação com Drake. A Complex destacou que a faixa “No Brakes”, com participação de Drake, apareceu antes do lançamento e empurrou o disco para dentro do debate recente envolvendo alianças, rivalidades e pertencimento na cena de Los Angeles.

Mas reduzir o álbum a essa leitura seria perder o ponto principal. The Game sempre trabalhou bem quando transforma memória pessoal, nomes citados e geografia em narrativa. O que está em jogo agora é saber se ele consegue fazer isso sem parecer preso ao museu da própria carreira.

West Coast como memória viva

O título funciona porque “The Documentary” virou sinônimo de uma forma específica de contar a Costa Oeste: carros, bairros, conflitos, referências diretas e produção com ambição de clássico. Em 2026, essa linguagem precisa conversar com outro público, outras plataformas e outra velocidade de consumo.

Por isso, “The Documentary III” interessa mesmo para quem não acompanhou The Game em tempo real. O disco testa como um rapper de outra era pode reaparecer sem depender só do prestígio acumulado. Ele precisa provar que ainda tem recorte, presença e curadoria para organizar uma obra longa.

Com 24 faixas, o álbum também entra na discussão sobre excesso. Projetos grandes podem ampliar contexto, mas também diluem impacto quando a edição não acompanha a ambição. A primeira escuta pede atenção justamente para esse equilíbrio: o que soa necessário e o que existe apenas para sustentar a ideia de grande retorno.

O que acompanhar no álbum

A lista de participações e produtores ajuda a vender o lançamento, mas a pergunta principal é outra: The Game ainda consegue ser o centro de um álbum chamado “The Documentary”? Quando ele acerta, poucos rappers fazem autobiografia de rua com tanta consciência de espetáculo.

Se o disco funcionar, não será apenas por chamar Drake, recuperar a marca ou alimentar debates de internet. Será porque The Game encontrou uma forma de fazer o passado trabalhar a favor do presente. E esse é o verdadeiro teste de qualquer continuação lançada duas décadas depois.

Leia também na Rap Growing: mais notícias de música e rap internacional.

Fontes consultadas

Apple Music — página oficial do álbum, faixas, duração e selo.
Instagram de The Game — anúncio oficial do lançamento.
Complex — contexto do anúncio, “No Brakes” e participação de Drake.

Imagem de capa: The Game e Drake em composição publicada pela Complex, com fotos creditadas a TWIST/Bauer-Griffin e Mark Blinch/Getty Images. Referência adicionada no crédito da imagem.