Conhecido por sua trajetória no Haikaiss, Qualy usa o novo single para reforçar uma identidade mais sofisticada, cinematográfica e voltada para relações ambíguas, desejo e paranoia emocional.

Pedro Qualy lançou “Tarôs” no dia 5 de junho de 2026, em parceria com Sotam, abrindo uma fase que parece menos preocupada em repetir fórmulas do passado e mais interessada em construir uma assinatura própria, apresentando uma estética descrita no próprio projeto como brutalista, editorial e emocionalmente silenciosa.

O lançamento marca um movimento importante dentro da trajetória de Qualy. Durante anos, seu nome esteve ligado ao Haikaiss, grupo que ajudou a formar parte do imaginário do rap nacional na última década, com discos, turnês, refrões marcantes e faixas que atravessaram a bolha do rap. Mas “Tarôs” mostra um artista tentando ocupar outro espaço, mais íntimo, mais visual e mais próximo de um R&B alternativo com atmosfera de trapsoul.

A ideia central da faixa parte de uma imagem forte: quando intuição e paranoia se confundem, o desejo vira destino. A partir disso, Qualy e Sotam constroem uma narrativa sobre magnetismo, tensão afetiva e relações modernas em que ninguém sabe exatamente onde termina a atração e começa a instabilidade emocional.

“Quando intuição e paranoia se confundem, o desejo vira destino.”

Qualy para além do Haikaiss

Falar de Pedro Qualy sem lembrar do Haikaiss seria ignorar uma parte importante da história. O grupo surgiu em São Paulo em 2006 e se consolidou como um dos nomes mais populares do rap brasileiro, especialmente depois de uma sequência de projetos que ajudaram a ampliar sua base de público. Qualy entrou no grupo ainda no começo da caminhada e participou de fases importantes da construção dessa marca.

O Haikaiss viveu um dos seus momentos mais fortes com “Raplord”, faixa lançada em 2017 que ultrapassou o ambiente tradicional do rap e levou o grupo para grandes festivais, programas de TV e até para a trilha do game internacional “Need for Speed: Payback”. A partir dali, o nome de Qualy ficou associado a uma geração que ajudou a transformar cypher, punchline, melodia e internet em linguagem de massa dentro do rap nacional.

Mas existe um desafio natural para qualquer artista que vem de um grupo grande: deixar de ser visto apenas como parte de uma engrenagem coletiva e construir uma identidade que sobreviva sozinha. “Tarôs” parece nascer justamente nesse ponto. Não como negação do passado, mas como tentativa de ampliar o vocabulário artístico de Qualy.

Uma música sobre desejo, paranoia e relações modernas

Em “Tarôs”, o imaginário místico não aparece como esoterismo literal. A carta, o pressentimento e a leitura do destino funcionam como metáforas para relações onde tudo parece sinal, mas nada é completamente confiável. O que poderia virar uma estética óbvia de tarô, vela e ritual, aqui é tratado de outro jeito: como moda, cinema, silêncio, luz branca, concreto, sombra e tensão.

Essa escolha é importante porque tira a faixa do lugar comum. A música não tenta vender uma fantasia mística. Ela usa essa imagem para falar de um tipo de vínculo muito atual, onde desejo, insegurança, controle emocional e atração se misturam. É menos sobre prever o futuro e mais sobre não conseguir entender o presente.

Ao lado de Sotam, Qualy encontra um caminho mais melódico e atmosférico, distante da energia explosiva que marcou muitos momentos do Haikaiss. A faixa se aproxima de uma linguagem urbana contemporânea, com espaço para vulnerabilidade, estética de noite, tensão de relacionamento e um tipo de entrega vocal mais contida.

O clipe como extensão da música

O audiovisual de “Tarôs” também faz parte da proposta. Segundo o material de lançamento, o clipe trabalha com cenários brutalistas, plataformas geométricas, iluminação clínica branca e contraste entre luz e sombra. A referência não é o videoclipe tradicional de rap, mas uma estética mais próxima de fashion film, com influência de nomes e universos como The Weeknd, Euphoria e Don Toliver.

Essa direção visual ajuda a reforçar o momento de reinvenção. Qualy aparece menos como personagem de grupo e mais como artista tentando controlar atmosfera, imagem e narrativa própria. O clipe não existe apenas para acompanhar a faixa. Ele funciona como declaração estética de fase.

A capa oficial também segue essa linha. A imagem trabalha com poucos elementos, predominância de sombra, contraste forte e uma construção visual mais fria, colocando Pedro Qualy e Sotam em uma posição quase cinematográfica. A escolha conversa com a proposta da música: pouca explicação, muita tensão.

Reinvenção sem apagar a história

O ponto mais interessante de “Tarôs” é que a faixa não tenta apagar o Qualy que veio do rap de grupo, dos versos densos, das colaborações e da era em que o Haikaiss virou referência para uma geração. Ao contrário, ela parte desse histórico para mostrar que o artista pode se movimentar em outros territórios sem precisar abandonar a própria bagagem.

Existe uma diferença grande entre mudar de estética por tendência e mudar porque a carreira pede outra camada. No caso de Qualy, “Tarôs” parece funcionar como um capítulo de maturidade. O artista que ficou conhecido dentro de uma formação coletiva agora explora um campo onde o clima, a interpretação, a imagem e a ambiguidade emocional pesam tanto quanto a rima.

Isso coloca Pedro Qualy em um lugar interessante dentro da música urbana brasileira. Ele não está apenas tentando provar que consegue seguir depois do Haikaiss. Ele está tentando mostrar que sua identidade artística não se resume ao papel que ocupou dentro do grupo. “Tarôs” é uma aposta nesse reposicionamento.

Uma nova leitura de Pedro Qualy

Com “Tarôs”, Pedro Qualy apresenta uma obra que olha para desejo e paranoia sem transformar isso em exagero dramático. A música aposta no silêncio, na imagem, no magnetismo e na dúvida. É uma faixa sobre relações em que todo gesto parece mensagem, toda ausência vira teoria e toda atração carrega um risco escondido.

Ao lado de Sotam, Qualy encontra uma linguagem que combina R&B alternativo, trapsoul e estética urbana de alto padrão, abrindo espaço para uma fase mais sofisticada e menos previsível. Para um artista que já viveu o peso de estar em um dos grupos mais conhecidos do rap nacional, esse tipo de movimento importa porque mostra fôlego criativo e vontade de não ficar preso à própria história.

No fim, “Tarôs” não é só mais um single. É uma carta aberta de mudança. Pedro Qualy parece entender que a melhor forma de honrar o passado não é repetir o que já funcionou, mas usar a experiência para construir outro lugar.

RAP GROWING – CULTURA EM MOVIMENTO.

Nova faixa chega às plataformas no dia 3 de junho pela Warner Music Brasil em parceria com a GR6, trazendo uma mensagem sobre persistência, família, amadurecimento e o desejo de mudar de vida.

MC Marks construiu parte importante da sua caminhada transformando vivência em música. Em vez de tratar o funk apenas como festa, ele sempre encontrou espaço para falar sobre responsabilidade, escolhas, família, fé no processo e vontade de construir uma realidade diferente. É dentro dessa linha que nasce “A Sorte Me Espera”, parceria com TOKIODK, que chega às plataformas no dia 3 de junho.

A faixa vem pela Warner Music Brasil, em parceria com a GR6, e aproxima dois artistas que enxergam a música como ferramenta de identificação. Não é uma canção feita para romantizar o sofrimento, nem para vender uma vitória fácil. A proposta é falar sobre o caminho, sobre continuar correndo mesmo quando as coisas parecem longe, sobre carregar a família no pensamento e sobre entender que mudança de vida não acontece por acaso.

Uma música sobre processo, não apenas sobre sorte

O título “A Sorte Me Espera” carrega uma ideia forte. A sorte até aparece no nome, mas a mensagem da música está muito mais ligada à persistência. A faixa parte da noção de que a transformação vem como consequência de esforço, visão e caminhada. MC Marks e TOKIODK conduzem a narrativa com uma linguagem próxima de quem vive o corre diário e sabe que cada escolha pesa no futuro.

Ao longo da música, os versos trabalham temas como ambição, responsabilidade familiar, desejo de crescimento e amadurecimento pessoal. É o tipo de faixa que conversa diretamente com o público que acompanha o funk consciente e encontra nessas músicas não apenas entretenimento, mas também uma forma de espelho.

“Essa faixa fala muito sobre acreditar no processo, mesmo quando as coisas parecem distantes. Acho que tanto eu quanto o TOKIO carregamos essa verdade na nossa história, de correr atrás, pensar na família e continuar trabalhando sem perder a visão do que a gente quer conquistar.”MC Marks

MC Marks e o peso do funk consciente

MC Marks é um dos nomes que ajudaram a fortalecer uma vertente mais reflexiva dentro do funk. Sua obra se conecta com temas sociais, experiência periférica, fé, conquistas e a tentativa constante de transformar dificuldade em direção. Por isso, “A Sorte Me Espera” não soa como uma colaboração aleatória. Ela entra como continuidade natural de uma trajetória marcada por músicas que falam com quem está tentando vencer sem esquecer de onde veio.

Dentro dessa construção, Marks aparece novamente como um artista que entende a força da identificação. Quando ele fala sobre correr atrás, pensar na família e não perder a visão, a mensagem não fica distante do público. Pelo contrário, ela toca justamente porque parece sair de uma realidade compartilhada por muita gente.

TOKIODK entra na faixa com identificação real

Para TOKIODK, a parceria também tem um valor especial. O artista destaca que sempre admirou MC Marks dentro do funk consciente e vê nessa colaboração uma oportunidade de participar de uma música alinhada com sua própria visão artística.

“Me sinto muito feliz, porque o Marks é um artista muito grande. É um cara que tem uma lírica muito forte, muito emocionante. Desde que apareceu na cena, ele sempre teve essa característica de não fazer um funk comum.”TOKIODK

TOKIODK também aponta que as letras de Marks são diferentes, reflexivas e introspectivas, criando uma conexão com pessoas que procuram algo mais atemporal dentro do funk. Essa identificação ajuda a explicar por que a parceria funciona: os dois artistas parecem interessados em construir uma faixa que vá além do momento e consiga permanecer na vida de quem escuta.

“As letras dele são diferentes, reflexivas e introspectivas. Conversam muito com as pessoas. É algo mais atemporal, e eu me identifico bastante.”TOKIODK

Um encontro entre vivência e mudança de vida

O ponto mais forte de “A Sorte Me Espera” está na forma como a faixa transforma vivência cotidiana em identificação coletiva. Não é apenas sobre dois artistas cantando superação. É sobre colocar em música uma sensação comum para quem vem de contextos onde vencer exige constância, disciplina e um nível de fé que nem sempre aparece para os outros.

A parceria também amplia a trajetória de MC Marks ao colocar TOKIODK dentro de uma proposta que conversa com temas historicamente ligados ao funk consciente: periferia, responsabilidade, sonho, família, mudança e amadurecimento. A música entende que a sorte, no fim das contas, talvez seja o nome bonito que muita gente dá para anos de trabalho invisível.

Um lançamento com mensagem direta

Em um mercado onde muita música nasce para durar poucos dias, “A Sorte Me Espera” aposta em uma mensagem mais duradoura. A faixa fala com quem está no processo, com quem ainda não chegou onde quer, mas continua tentando. E esse sempre foi um dos grandes poderes do funk quando ele olha para a própria comunidade com verdade: transformar histórias individuais em sentimento coletivo.

MC Marks e TOKIODK entregam uma colaboração que une emoção, relato pessoal e perspectiva de ascensão. Uma música para quem entende que mudar de vida não é esperar sentado por sorte, mas continuar caminhando até ela encontrar você trabalhando.

RAP GROWING — CULTURA EM MOVIMENTO

Em show inédito no dia 8 de agosto, o artista se une a Xuxa Levy e Nave Beatz para transformar sua trajetória em uma experiência musical imersiva entre funk, orquestra e cultura de rua.

O funk paulista vai encontrar a música sinfônica em um palco histórico de São Paulo. No dia 8 de agosto de 2026, MC Hariel será o protagonista da primeira edição do Red Bull Symphonic Brasil, projeto que convida artistas contemporâneos a reinterpretarem suas obras por meio de arranjos orquestrados, novas camadas sonoras e uma construção musical pensada para além do formato tradicional de show.

A apresentação acontece no Auditório Simón Bolívar, no Memorial da América Latina, em São Paulo, e promete revisitar a caminhada de Hariel com uma proposta inédita: unir beats, cordas, metais, performance, narrativa visual e a força cultural do funk em uma mesma experiência.

Com direção musical de Nave Beatz e regência do maestro não convencional Xuxa Levy, o espetáculo vai misturar violinos, contrabaixos e metais às batidas que ajudaram a formar a identidade do funk paulista. A ideia é reconstruir músicas da trajetória de Hariel com novas texturas, sem perder a essência das ruas, dos bailes e da vivência que moldou sua carreira.

O funk paulista em outro patamar

Mais do que uma apresentação especial, o Red Bull Symphonic Brasil nasce como uma homenagem ao funk paulista e às vozes que transformaram o gênero em uma das maiores forças culturais do país. A proposta é relembrar o passado, celebrar o presente e apontar para o futuro de uma cena que saiu das quebradas, enfrentou preconceitos e hoje ocupa palcos, festivais, premiações e espaços que antes pareciam distantes.

Hariel, um dos principais nomes dessa geração, chega ao projeto em um momento importante da carreira. Em 2025, o artista conquistou o Grammy Latino com o álbum “A Dança” e segue como uma das figuras mais representativas do funk consciente, melódico e de vivência.

“Eu já acompanhava o Red Bull Symphonic em outros países e ele me inspirou a criar o Funk Superação. Um projeto como esse mostra que o funk pode estar em qualquer lugar sem perder sua essência e identidade”, comentou MC Hariel.

Quando o baile encontra a orquestra

Para Xuxa Levy, a força do projeto está justamente na mistura entre mundos que, à primeira vista, poderiam parecer distantes. A proposta é fazer com que a música sinfônica e o funk paulista dividam o mesmo espaço sem hierarquia, criando uma ponte entre a energia do baile e a grandiosidade de uma orquestra.

“A gente quer criar uma experiência onde a música sinfônica se mistura ao funk paulista e se torna uma coisa só. Apelidamos carinhosamente de ‘orquestra de fluxo’, que nasce justamente dessa mistura entre os instrumentos, os beats e a energia do baile”, disse o maestro Xuxa Levy.

A direção criativa do projeto é assinada por Drica Lara, que teve como desafio transformar a música em criação visual. Segundo ela, a proposta é criar uma integração entre a potência de Hariel, a cultura visceral do funk paulista e a grandiosidade de um concerto sinfônico.

“Desde os primeiros rascunhos do palco, minha direção principal foi a integração: criar uma ponte entre a potência do Hariel, a cultura visceral do funk paulista e a grandiosidade de um concerto sinfônico”, explicou Drica Lara.

A escolha do Auditório Simón Bolívar também faz parte dessa construção. A arquitetura em semiarena rompe a separação tradicional entre artista, orquestra e público, permitindo que todos compartilhem o mesmo campo sensorial durante o espetáculo.

Um projeto global que chega ao Brasil

O Red Bull Symphonic já passou por outros países e reuniu artistas como Metro Boomin, nos Estados Unidos, Trueno, na Argentina, e Kelvin Momo, na África do Sul. Agora, o projeto desembarca no Brasil colocando o funk paulista no centro da experiência.

A edição brasileira também conta com parceria oficial da Levi’s®, reforçando a conexão entre música, moda, juventude, criatividade e cultura urbana.

Serviço

Evento: Red Bull Symphonic Brasil com MC Hariel

Data: 08 de agosto de 2026, às 20h

Local: Auditório Simón Bolívar | Memorial da América Latina

Endereço: Av. Mário de Andrade, 664 — Barra Funda, São Paulo (SP)

Ingressos

Venda geral: a partir de 26 de maio, às 15h, pelo site oficial.

Valores

Lote 1
Meia-entrada: R$ 40
Inteira: R$ 80

Lote 2
Meia-entrada: R$ 50
Inteira: R$ 100

Sobre o Red Bull Symphonic

O Red Bull Symphonic desafia artistas contemporâneos a reinterpretarem suas músicas por meio de um novo olhar, conectando versatilidade, criatividade e composições sinfônicas inéditas. A ideia central é criar uma experiência imersiva em que a arte do artista ganha novas possibilidades sem perder sua identidade.

Sobre a Red Bull

Fundada por Dietrich Mateschitz nos anos 1980, a Red Bull nasceu inspirada em bebidas funcionais do Extremo Oriente e se tornou uma das marcas mais conhecidas do mundo. Atualmente, suas bebidas energéticas estão presentes em mais de 170 países.

Sobre a Levi’s®

A Levi’s® chega como parceira oficial da edição brasileira do Red Bull Symphonic, reforçando sua relação histórica com a música, a criatividade e a cultura jovem. A união entre o funk, uma das maiores expressões culturais brasileiras, e a música clássica traduz a proposta do projeto e da parceria: celebrar autenticidade, inovação e expressão cultural.

RAP GROWING — CULTURA EM MOVIMENTO